El periodo que va desde la segunda guerra mundial
hasta mediados de los años setenta del siglo XX es el más prolífico de toda la
historia del arte. Durante esos años, multitud de tendencias y movimientos más
o menos estructurados se fueron sucediendo vertiginosamente. La mayoría de esas
manifestaciones artísticas tienen un carácter internacional, aunque en algunos
se dan diferencias significativas de forma local.
La postura innovadora de los artistas de este
periodo produjo una apertura de las delimitaciones o fronteras del ámbito
artístico que condujo a la desaparición de los rasgos inherentes a lo
propiamente artístico.
El arte moderno puso de manifiesto que la
deformación de los objetos que se representaban no era involuntaria, sino
deliberada, artística, buscada con el fin de satisfacer cierta concepción
poética de las cosas.
El sacrificio de la razón, este irracionalismo es lo
que el arte moderno ha hecho valer por encima de las normas tradicionales.
Se define por tanto al arte moderno como
irracionalismo en su forma más amplia. No obstante, podemos decir que el
irracionalismo es una condición necesaria del arte, y que está presente en
todas las expresiones artísticas de la humanidad, por lo que no puede
considerarse como algo característico peculiar del arte moderno.
Pero teniendo en cuenta que el arte moderno es el
más artístico, el más puro como arte, “el arte por el arte”, se entiende en qué
sentido la definición anterior es cierta; porque debe verse en el arte moderno
el más puro, el más absoluto irracionalismo estético que ha conocido la
humanidad.
Ninguno de los irracionalismos de los artes
anteriores, de carácter místico, popular o tradicional lo era por completo ya
que siempre estuvieron ligados a alguna forma de la significación, es decir, al
entendimiento.
En el irracionalismo del arte moderno no hay sitio
para ninguna clase de significación, se trata de un irracionalismo objetivista.
Esto significa que considera la irracionalidad como
una propiedad esencial del objeto y no como un defecto interior de la
conciencia. A esta concepción debe el arte moderno su carácter profundamente
revolucionario e impopular.
De acuerdo con esta concepción, las representaciones
de los místicos tanto como las de los locos adquieren validez objetiva, se
refieren a la misma realidad que las representaciones de los laicos y de los
cuerdos; en otras palabras, considera que la falta de significación, o sea la
irracionalidad es una cualidad esencial y natural de la realidad que confronta
a nuestro entendimiento.
Las primeras obras del arte moderno se corresponden
a los movimientos romántico y realista. Más tarde, se empezó a jugar con la luz
y el espacio, a través de la pintura y el color, lo que dió lugar al
impresionismo y posimpresionismo.
Unos años antes de la Primera Guerra Mundial, se
desarrollaron los movimientos del cubismo, el fauvismo, el expresionismo y el
futurismo. Más tarde vino el surrealismo.
A partir de los años 50 y 60 fueron aàreciendo otras
formas de expresión del arte moderno como el expresionismo abstracto, el
pop-art y el minimalismo.
ARTE ABSTRACTO
El arte abstracto es el estilo artístico que surge
alrededor de 1910 y cuyas consecuencias han hecho de él una de las
manifestaciones más significativas del espíritu del siglo XX.
El arte abstracto no necesita justificar la
representación de las figuras sino que tiende a utilizar un lenguaje visual
propio con unos siginificados variados.
En sus inicios, el arte abstracto dio lugar a
grandes polémicas y discrepancias. De hecho, ya en tiempos de la Prehistoria se
utilizaron la estilización y el geometrismo. Pero con el paso del tiempo se ha
convertido en una fuente inagotable de ideas para los artistas de nuestro siglo
y nadie se atreve ahora a poner en duda su existencia e identidad como un arte
propio.
El lenguaje que se utiliza esta basado en las
experiencias fauvistas y sensaciones del autor, exaltando normalmente la fuerza
del color.
También existe la expresión con estructuración
cubista, que da lugar a las diferentes abstracciones geométricas y
constructivas.
La tradición abstracta conoció un importante renacer
en Estados Unidos a partir de finales de los años cuarenta con el Action
Painting y con el Colour-Field Painting. Estas tendencias fueron suplantadas a
partir de 1960 por la aparición del arte minimalista que inició un nuevo
periodo de interés por la geometría y la estructura, periodo de interés por la
abstracción, que siguen adoptando numerosos artistas inspirados por las más
variadas motivaciones.
Escultura asbstracta
La abstracción en escultura persigue los mismos
fines que en la pintura, aunque difícilmente pueden reconocerse lo mismos
estilos.
Entre la escultura no figurativa destaca Georges
Vantongerloo, que intenta la codificación matemática de los volúmenes y Théo
van Doesburg ambos pertenecientes al grupo Der Stijl.
Antoine Pevsner (1884–1965) es el escultor más
representativo: Proyección en el espacio, Construcción cinética, Visión
Espectral, Naum Gabó: Cabeza de mujer, Celuloide y metal, Eduardo Chillida, con
sus esculturas monumentales: El peine de los vientos, El elogio al horizonte,
Tres hierros y Julio González.
Artistas Abstractos
Vasily Kandinsky (1866-1944) es el gran teórico del
arte abstracto. Escribe "De lo espiritual en el arte", donde expone
sus ideas y reflexiones sobre el arte, lo que es y lo que es la obra de arte.
En él realiza una declaración de principios. Su pintura tiene como objetivo
despertar la emoción del espectador, en el que deben actuar sólo los
sentimientos.
Pone a sus cuadros títulos abstractos,
intrascendentes, actitud que más tarde imitaron los demás pintores. entre sus
obras, destacamos Puntas de arco, En alto, Lírica, Impresión V, Improvisación,
Juicio universal; Amarillo, rojo, azul.
Paul Klee (1879-1940) tiene un carácter más
simbólico. Transforma las figuras hasta hacerlas irreconocibles. Entre sus
obras, El niño en el paisaje, Composición, En el gris de la noche, Puerto y
veleros.
Happening, Performance, Instalación
Happening
Happening (de la palabra inglesa que
significa evento, ocurrencia, suceso).
Manifestación artística, frecuentemente multidisciplinaria, surgida en
los 1950 caracterizada por la participación de los espectadores.
Los happenings integran el conjunto del llamado performance art y
mantiene afinidades con el llamado teatro de participación.
La
propuesta original del happening artístico tiene como
tentativa el producir una obra de arte que no se
focaliza en objetos sino en el evento a organizar y la participación de los
"espectadores", para que dejen de ser sujetos pasivos y, con su
actividad, alcancen una liberación a través de la expresión emotiva y la
representación colectiva. Aunque es común confundir el happening con
la llamada performance el primero difiere de la segunda por
la improvisación o, dado que es difícil una real improvisación, por
la imprevisibilidad.
El happening en
cuanto a manifestación artística es de muy diversa índole, suele ser no permanente,
efímero, ya que busca una participación espontánea del público. Por este motivo
los happenings frecuentemente se producen en lugares públicos,
como un gesto de sorpresa o irrupción en la cotidianeidad. Un ejemplo de ello
son los eventos organizados por Spencer Tunik en los cuales se
implican a masas de gente desnuda.
Principales
Referentes:
Además de
Cage y de Kaprow se consideran como principales realizadores de happenings a : Tadeusz
Kantor, Joseph Beuys, George Brecht, Bazon Brock, Jim
Dine, Red Grooms, Al Hansen, Roy Lichtenstein, Youri
Messen-Jaschin, Marta Minujín, Claes Oldenburg, Yōko
Ono, Robert Rauschenberg, Wolf Vostell y Robert
Whitman, Charlotte Moorman, Marta Minujín.
Performance:
Una performance es
una muestra escénica, muchas veces con un importante factor
de improvisación, en que la provocación o el asombro, así como el sentido
de la estética, juegan un rol principal.
El
término performance se ha difundido en las artes plásticas a
partir de la expresión inglesaperformance art con el significado
de arte en vivo. Está ligado al arte conceptual, a los happenings,
al movimiento artístico fluxus events y al body art. La
palabra performance comenzó a ser utilizada especialmente para
definir ciertas manifestaciones artísticas a finales de los años sesenta. Este
medio artístico tuvo su auge durante los años setenta.
La
historia del "performance art" empieza a principios del siglo
XX, con las acciones en vivo de artistas de movimientos vanguardistas.
Creadores ligados al futurismo, al constructivismo,
al dadaísmo y al surrealismo, realizaban por ejemplo las exhibiciones
no convencionales en el Cabaret Voltaire. Entre estos artistas se
destaca la participación de Richard Huelsenbeck yTristan Tzara.
Principales artistas de
performance
Alan Abel, Marina Abramovic, Laurie Anderson, Joseph Beuys, George Breelit, Alexander Brener, Stuart Brisley, Günther Brus, Chris Burden
Alan Abel, Marina Abramovic, Laurie Anderson, Joseph Beuys, George Breelit, Alexander Brener, Stuart Brisley, Günther Brus, Chris Burden
Instalacion:
Una instalación
artística es un género de arte contemporáneo que comenzó a
tomar un fuerte impulso a partir de la década de 1970. Las instalaciones
incorporan cualquier medio para crear una experiencia visceral o conceptual en
un ambiente determinado. Los artistas de instalaciones por lo general utilizan
directamente el espacio de las galerías de arte.
Muchos
encuentran los orígenes de este movimiento en artistas como Marcel
Duchamp y el uso de objetos cotidianos resignificados como obra artística,
más que la apreciación de la escultura tradicional que se basa en el trabajo
artístico. La intención del artista es primordial en cada instalación, debido a
su conexión con el arte conceptual de la década de 1960, lo que
nuevamente es una separación de la escultura tradicional que tiene su principal
interés en la forma.
Puede
incluir cualquier medio, desde materiales naturales hasta los más nuevos
medios de comunicación, tales como video, sonido, computadoras e internet, o
inclusive energía pura como el plasma.
Algunas instalaciones son sitios
específicos de arte; ellas sólo pueden existir en el espacio para el cual son
creadas.
No hay comentarios:
Publicar un comentario